之前說了 Aperture 光圈，今天來說說那些名字里首字母是 A 的著名攝影師吧。
馬奴埃爾·阿爾瓦雷茲·布拉沃（Manuel Álvarez Bravo）
Manuel Álvarez Bravo（1902-2002）是已故墨西哥人文攝影大師，是20世紀拉丁美洲最重要的攝影師之一。他於世紀之初的1902年出生於墨西哥城。在他的創作中，他擅長以諷刺或超現實的方式去捕捉那些我們看似普通的尋常景象，將鏡頭的重點集中在那些人類相互作用的微妙事物之上。特別是社會階層分化明顯的拉丁美洲社會，他會將鏡頭的重點放在那些下層階級的日常生活上，捕捉他們的夢想，他們的死亡，他們如過眼雲煙般的一生。
Photo by Manuel Álvarez Bravo
Photo by Manuel Álvarez Bravo
Photo by Manuel Álvarez Bravo
Photo by Manuel Álvarez Bravo
Photo by Manuel Álvarez Bravo
理察·阿維頓（Richard Avedon）
Christian Dior 在 1947 年推出的 New Look 永遠的改變了時裝的風貌，而帶來這番改變的並非來自 Dior，並非來自巴黎，而是來自紐約的時尚攝影師 Richard Avedon（1923-2004）。
著名評論家 Susan Sontag 也盛讚這位才華橫溢的攝影師是「20世紀職業攝影師的典範之一」
1923 年出生於一個猶太家庭的 Avedon 從小就對攝影產生了濃厚的興趣，父親將他帶進攝影的世界，從小拍攝的作品則讓他認識到展示作品的重要性。就像亞當斯從小夢想做一名鋼琴家一樣，Avedon 也從未將攝影作為畢生的志願，迷戀 TS Eliot 的他希望可以成為一位偉大的詩人。
雖然在大學研讀哲學與詩歌創作，但是後來他卻並沒有走向文學之路，按他的說法，他意識到自己並沒有足夠的情智去通過感染他的素材來表達自己。
但是他卻選擇了用鏡頭來表達自己的情緒。
二戰期間，他加入美國海軍給人拍證件照，在他意識到自己已經變成一名攝影師的時候，他已經「給大概 10 萬張困惑的面孔 」拍過了照片。
退伍後，他就開始為時裝雜誌《Harper's Bazaar》工作，並在那裡當了 20 多年的專職攝影師，隨後，他去了紐約《Vogue》，繼續拍攝時裝攝影。
Avedon 的作品有其鮮明的特色，他的作品都是經過精心設計的擺拍，拍攝主體都會被置於畫面的最前方，背景是白色或深深淺淺的灰。他從來不使用自然光源，也不喜歡影子，他會想方設法避免閃光燈打亮時在背景板上留下陰影。
他也從來不會去試圖掩飾拍攝人物的瑕疵，即使有皺紋、眼袋，哪怕是疤痕都會在他的畫面中被明顯的表現出來。但是正是這種不太有誘惑力的真實面貌，比完美更能吸引觀看者的興趣。
正如美國《出版家周刊》所說的，Avedon 的作品儼然已經成為了名人標記，能被 Avedon 拍照是所有明星的夢想，所以很多明星都會主動去找他拍照。
開始一種風格，你會發現一系列的連鎖反應，你要做的就是儘可能的去釋放你的創意。
Photo by Richard Avedon
Photo by Richard Avedon
Photo by Richard Avedon
Photo by Richard Avedon
Photo by Richard Avedon
尤金·阿傑特 Eugène Atget
有人把 Eugène Atget（1857-1927） 比作攝影界的梵谷，是因為他們的藝術經歷看起來有些雷同，生前都是默默無聞，甚至生活窘迫，但是臨近去世他的藝術價值才被世人發掘。
Eugène Atget 並不是一個幸運的人，究其一生他都沒有獲得他所應得的名望和財富，雖然不至於混到像梵谷那樣慘，但是對於當時他身邊的巴黎人來說，他只是一個愛拍照的怪老頭而已。
Eugène Atget 本來是一個地地道道的文藝青年，他最初的夢想是成為一名畫家，後來又去做演員，在跑了幾年龍套之後拿起了相機。
Atget 四十歲的時候，也就是 1897 年才開始學習攝影。他使用的是 19 世紀 50 年代作古的技術，與最笨重的木架 18×24cm 相機，直線鏡頭。然而他的作品，卻不帶任何矯飾地記錄下事物真切的影像，迸發出真正的現代主義精神。
在他的三十年攝影生涯中，他基本只拍了一個主題：巴黎。十九世紀末二十世紀初的巴黎，變化非常迅速，就像二十一世紀初的中國，幾乎每天出門都能看到剛剛拔地而起的高樓。老的東西在不斷消逝，新的事物在不斷湧現。Atget 關注的重點在記錄和保存那些「老東西」。他花了三十年時間把即將消逝的老巴黎記錄了下來。
正如他所說的，他擁有了巴黎的一切。
在 Atget 有生之年，沒有出版過一本影集也沒舉辦過一次影展，Atget 對於他的作品沒有留下任何話。但正是這種「空」使得他的作品有了各種各樣的評價。
雖然現在大家都認同他是攝影史上最傑出的大師之一，但是對他的評價卻並不一致。Man Ray 認為他是一個「無意的超現實主義者」，Ansel Adams 覺得他是一個「用最簡單和單純的方式表達他所看到的東西的人」，John Szarkowski 則認為他是「第一個現代主義者」。
這就是 Eugène Atget，一個孤獨的天才，他用他無意的現代主義，連接了古典和現代。
Photo by Eugène Atget
Photo by Eugène Atget
Photo by Eugène Atget
Photo by Eugène Atget
Photo by Eugène Atget
安塞爾·亞當斯（Ansel Adams）
說到攝影師就不能不提到 Ansel Adams，這位世界公認的風景攝影大師，他所拍攝的美國風光帶有強烈的戲劇張力，即使放到今天的數碼時代，其作品依然值得人們參考。
作為有影響力的 f/64 攝影社群的締造者之一，他可能是 20 世紀最有影響力的黑白攝影師之一。
學習攝影的人一定都會熟悉亞當斯的那本《論攝影》，這本書也成為了無數攝影愛好者的啟蒙之作。
作為攝影大師，他提出「區域系統」的技術概念，認為攝影師應借光線的變化，控制底片和相紙上的密度觀感。亞當斯也倡導「可視化」的概念（他亦常稱之為「前可視化」，但這個詞並未為後世所接受），指照片給予人的觀感，取決於光線的測量值，即在景物攝入鏡頭那一刻已經決定。
除了攝影，他一生都在拍攝的國家公園的作品同樣也為自然環境的保護帶來了很大的影響。
拍照是一件很容易的事，但是想要在攝影中製作出傑出的作品遠比其他的藝術形式要難的多。
Photo by Ansel Adams
Photo by Ansel Adams
Photo by Ansel Adams
Photo by Ansel Adams
Photo by Ansel Adams
AGFA
說到 A 字開頭的跟攝影有關的內容，又怎麼能不提到愛克發（AGFA），它曾經是在全球彩色膠片市場占有率僅次於柯達和富士的第三大彩色膠片供應商。
愛克發作為一家業務眾多的跨國企業，我們在這裡僅僅說說它的攝影相關業務。早在 1913 年，愛克發就開始生產電影底片。1932 年，愛克發公司推出 Agfacolor 牌的彩色底片，打破了盧米埃兄弟發明的彩色底片的壟斷。1936 年，愛克發公司引進 Agfacolor-Neu 彩色底片，有別於當時盧米埃兄弟發明的技術和柯達公司 1935 年發明的技術，而現代彩色底片多採用 Agfacolor Neu 的技術。
Photo by Markus Winkler on Unsplash
二戰後，愛克發公司進入相機領域，於 1959 年製造了第一台自動化 35mm 相機。
不過由於數碼時代的衝擊，2004 年，愛克發·吉華集團將民用攝影業務出售給了當時新成立的愛克發照片公司（AgfaPhoto）來獨自經營，不過一年後，這家新公司就宣告破產了。
Photo by mark chaves on Unsplash
曾經 AGFA Vista 是我用的比較多的膠片，主要原因還是便宜，雖然相對於柯達和富士的基礎家用負片來說價格上也沒有什麼太大的優勢，主要是想嘗試一下不一樣的感覺，雖然這個膠捲後來是由富士代工的，但是就像愛克發的大紅點標誌一樣，色彩濃烈，特別是紅色的表現很顯眼，非常適合拍攝中國風的喜慶場面，拍一些花花草草也是不錯的。